EL CARTEL

THIS IS IT * * *

Tenia pendiente reseñar el cartel de This is it, documental sobre Michael Jackson y la última gira (llamada precisamente "This is it") que nunca pudo realizar. El cartel tiene una idea convencional, pero debo reconocer que está bien resuelta. La idea es usar la silueta de Michael Jackson bailando, para colocar dentro un fotomontaje de imágenes de algunos conciertos y de los últimos ensayos para la gira. En el centro de la silueta, vemos una imagen que predomina con un letrero en rojo que dice “This is It”. Lo que debo reconocer, es que la intención nostálgica está perfectamente bien plasmada. Es un cartel que te transmite la idea de “despedida”, con ese paso final que Jackson daba al bailar y con su famoso guante plateado en una de sus manos, inmortalizado en el cartel. Ha sido buena la elección de ese fondo lleno de humo, que le da al cartel un efecto contrastante junto a las más espectaculares fotos del interior de la silueta. Es verdad, el cartel no es nada extraordinario, que hay mejores portadas en varios discos de Michael Jackson (de hecho, este cartel pudo haber sido una portada de sus discos), pero como decía, no está mal para ser un cartel de despedida para Michael Jackson.

PANDORUM * * * *

Lo mejor y más interesante de esta semana, es la serie de carteles realizados para Pandorum. Los carteles se basan en una propuesta inquietante, creados algunos por el despacho Ignition Print, que lucen inspirados en el minimalismo de los carteles de Saw. Como es costumbre, los mejores carteles son los teasers, y las ideas que subyacen bajo su concepto visual tienen una inquietud artística que va más allá de la pura intención comercial. El cartel teaser que elegí, con la escultura de un hombre con varios tubos atravesando el rostro, es notable por la emoción terrorífica que transmite con elementos simples. Todo está sobre un fondo blanco y con el tagline “Fear what happens next”. Digamos que podríamos calificar estos carteles como la versión artística de los carteles de, por ejemplo, Hellraiser. Lástima que estas interesantes ideas no hayan sido ampliadas en los más convencionales carteles del estreno.

Otro magnífico cartel de Pandorum (2009), cuya propuesta se basa en reflejar un terror psicológico, locura y desesperación, a través de un sencillo fotomontaje.

SABIAS QUE...

"Mira 'niñito maravilla', te juro que al primer 'santos' que digas te bajo de la batimoto, te vas a dormir sin cenar y sin tele".

Sé que el Halloween ha quedado atrás, pero aquí va una historia paranormal relacionada con la actriz Goldie Hawn. En 1964, Goldie sufrió un accidente automovilístico en la ciudad de Nueva York que casi le cuesta la vida. Eran las 4 de la mañana, y la actriz aceptó que un par de amigos la llevaran a casa, todos bajo los efectos del alcohol. A exceso de velocidad, el auto que abordaba Hawn se estrelló contra un taxi, y cuenta que todo lo que recuerda es haber gritado "¡Cuidado!" y haberse salido de su cuerpo. Recuerda haber visto el lugar del accidente, las ambulancias, a los paramédicos atendiéndola y a uno de ellos decir: "No está muerta, saquémosla de aquí". Varios años después, durante un viaje a Tailandia, un psíquico, a quien Goldie Hawn jamás había visto, le confirmó que había tenido un accidente a los 19 años, que había abandonado su cuerpo por unos minutos y que se había salvado porque todavía no era su hora. Tienes un "propósito para vivir," le dijo el psíquico.

De acuerdo al psicólogo Jeffrey Rudski, 10% de los fans de Harry Potter son adictos a los libros. Estos fanáticos están mostrando signos similares a los síntomas que un adicto muestra cuando se le priva de una droga. Un comentario muy común entre ellos, ahora que la serie ha terminado, es: "Ya no tengo nada por lo cual vivir", según Rudski.

Si ustede cree que a Ian Flemming fue el primero en ocurrírsele el nombre de James Bond, para su famoso personaje del espía 007, quizás deba saber que también Agatha Christie llamó James Bond a uno de sus personajes. El "James Bond" de Christie es el protagonista del cuento "The Rajah's Emerald", publicado en 1934.

Originalmente Elvis Presley iba a interpretar el personaje de John Norman Howard en el remake de A Star is Born, producida en 1976. La ilusión de Elvis por interpretar este papel se esfumó, gracias a que el coronel Parker, su agente, le impidió actuar en la película. Al final, el papel cayó en manos de Kris Kristofferson.

"Hands up or I'll shoot", una comedia escrita en la extinta Alemania Oriental en 1965, fue prohibida por los políticos censores por 43 años. La obra tuvo su debut en julio del 2009.

Robin, interpretado por Burt Ward en la teleserie de Batman, transmitida en 1966, dijo alrededor de 350 "hollies" (santos...) durante los 120 episodios que duró el programa.

"MY TWO CENTS" BY NORA EPHRON

"Te dejo estos 10 consejos. Y por favor... no me lo agradezcas."

En la edición de julio de la revista Fortune, Nora Ephron, quien estrena esta semana en España "Julie & Julia", su más reciente película, publicó una serie de "consejos" para el artículo "The Best Advice I Ever Got". Muchas personalidades dieron sus mejores "consejos" de la vida, como Bill Gates, Tiger Woods, Colin Powell, etc. Nora Ephron (Sleepless in Seattle, Michael, You've got Mail, Bewitched), realizadora, guionista y novelista, también ha aportado sus "10 mejores consejos", algunos inútiles, otros "interesantes" y uno que otro... Bueno, júzguelo usted mismo. Yo le daría uno, si me lo permite: "Nunca intentes adaptar dos libros en una sola película."

1.- Nunca pongas tomates en el refrigerador.

2.- Locación, locación, locación *(¿Qué habrá querido decir con esto? ¿Que siempre se deben evitar los sets?)

3.- La vida es muy corta.

4.- Nunca corras por un autobus.

5.- Nunca aprendas a planchar o alguien te hará hacerlo.

6.- Nunca comas nada que no valga la pena comer (¡Claro! ¡Muchas gracias Nora!)

7.- Sabes tanto sobre invertir tu dinero como ellos.

8.- Gritarle a tus hijos es tan efectivo como hablarles suavemente.

9.- Cásate con un hombre que haya sido infeliz con su primera esposa los primeros 17 años. (¿Y qué garantía hay con esto?)

10.- Consigue un perro.

*Los comentarios entre paréntesis son aportación del autor de este blog.

JULIE & JULIA * * 1/2

En Julie & Julia, Meryl Streep acaba robándose todo el número, interpretando a la famosa cocinera Julia Child.

No suelo perderme una sola película protagonizada por Meryl Streep, una de mis actrices preferidas. Si algo me impulsó a ver una chick-flick como Julie & Julia (2009), no fue otra cosa que ver el impecable trabajo de Meryl Streep interpretando a la famosa cocinera Julia Child. Y bueno, lo confieso, también quise ver a la guapa Amy Adams. La película está basada en el libro homónimo escrito por Julie Powell (interpretada por Amy Adams), que no tiene otra cosa más interesante que contar que el reto que se propuso a sí misma un buen día: crear un blog (¡Qué valiente!) en el que relatará sus experiencias preparando todas y cada una de las más de 300 recetas publicadas por Julia Child en su primer libro.

El problema es que Amy Adams, si bien es una chica muy bella (casi tan bella como Nicole Kidman, de hecho, parecen hermanas), su potencial histriónico todavía está bastante limitado. O también puede ser que la dirección de la realizadora y guionista Nora Ephron es demasiado floja. Siento que Amy Adams hizo lo que pudo con un personaje con muchas limitaciones. Me inclino más por la segunda posibilidad, ya que, aunque no he visto Doubt, al parecer Amy ofreció una buena actuación como monja en dicha película, donde por cierto también trabajó junto a Meryl Streep. En Julie & Julia, Meryl Streep y Amy Adams jamás se ven las caras o comparten una escena juntas.

Tenemos dos historias paralelas: la de Julie Powel, recién casada con el editor de una revista sobre arqueología (Chris Messina), y que se encuentran pasando por las limitaciones económicas de una pareja en los primeros meses de matrimonio. Julie publicó un libro junto a otros tres escritores, que nadie leyó y en el que su nombre quedó perdido. Además de desear convertirse en una reconocida periodista y escritora, Julie también quiere seguir los pasos de Julia Child, al ser su gran admiradora y así desentrañar los secretos de su cocina.

La segunda historia es la mejor, la que acabó por atraparme más. En ella vemos los esfuerzos de Julia Child por convertirse en una gran cocinera, mientras vive en la Francia de la posguerra. Por supuesto, el retrato de Francia es folclórico y pintoresco, donde no falta el mercado callejero donde todo luce estupendo e impecable, al igual que las callejuelas con algún gato cruzando la calle. Al estar casada con un ocupado diplomático (Stanley Tucci), Julia necesita buscarse distracciones y ocupaciones. A parte de tomar clases de cocina, Julia deseará publicar un libro, donde, a través de recetas, le enseñe a los norteamericanos cómo adentrarse en el maravilloso mundo de la cocina francesa… sin morir en el intento.

Está de más decir que el fuerte de la película es la actuación de Meryl Streep (quien luce como una versión más atractiva de Susan Boyles, la promesa del canto), así como la gran química que tiene con Stanley Tucci, su marido bajito y calvo. Ambos forman, quizás, la pareja más cursi, feliz y estable del mundo. Se complementan, se necesitan, se apoyan, son divertidos y están en sintonía perpetua. Julia seguirá a su esposo a donde tenga que ir por su trabajo, mientras que este la apoyará en su nueva carrera y cuando algún editor le rechace su libro. Ella mide casi 2 metros, él poco más 1.60. Y todo está contado en el libro “My Life in France”, escrito por Julia, en el que también está basada la película. Es decir, todo lo contrario al aburrido matrimonio de Julie, donde lo único que pone “sabor” a sus vidas es, precisamente, la cocina.

Y es la comida el segundo atractivo de esta película. Fotografiada magistralmente por Stephen Goldblatt, la comida luce mejor que en cualquier documental gastronómico. Si uno no sale con hambre de la sala de cine, es que estaba distraído pensando en otra cosa mientras veía la película.

++Lo mejor: ya lo he dicho y lo vuelvo a repetir, Meryl Streep.
++Lo peor: la floja dirección de Nora Ephron y que no haya sido una película enteramente dedicada a la vida de Julia Child.

KAZE NO TANI NO NAUSHIKA * * * *

En Kaze no tani no Naushika, Hayao Miyazaki consiguió uno de sus primeros grandes relatos ecologistas, un cuento de hadas con una imaginería fantástica

Lo que siempre consiguió Hayao Miyazaki, el maestro de la animación japonesa, desde sus primeras películas, como Kaze no tani no Naushika (Naussicä In the Valley of the Wind, 1984), fue amalgamar una serie de referencias visuales de una manera sutil y sin dificultades. Esta es otra de sus fantásticas historias, eclécticas, que, como siempre, están protagonizadas por un personaje femenino. Naushika (voz de Sumi Shimamoto) es una chica que es una combinación de princesa de cuento de hadas y amazona. Naushika es fuerte, con decisión, hábil volando en una especie de planeador, experta en artes marciales y una amante de los animales. No nada más es defensora de los animales, sino que puede comunicarse con ellos. Es un personaje típico de las primeras películas de Miyazaki, como la princesa Mononoke, de su filme homónimo.

El relato es un clásico alegato ambientalista, en el que Miyazaki muestra sus preocupaciones por el destino de la raza humana, al ser esta la causante de que el mundo y la ecología estén en perpetuo deterioro. La historia se ambienta en un mundo poblado de criaturas fantásticas, en este caso, insectos gigantes, que lucen más como criaturas alienígenas. Los insectos viven en una especie de confinamiento, en una jungla que se encuentra contaminada debido a las sustancias tóxicas que arrojan las mismas plantas. Cualquiera que quiera internarse en esta jungla, tendrá que usar una máscara y traje especiales. En realidad, este desequilibrio ecológico ocurrió a causa de los humanos hace miles de años, al mismo tiempo que un ejército de siete gigantes guerreros de piedra acabaron con todo a su paso.

Tenemos la combinación de un relato tipo medieval con ciencia ficción. Incluso, hay una población que habita en el desierto, experta en aviación y ataques aéreos, que parecen musulmanes que unirán sus fuerzas con los habitantes del Valle del Viento. Naushika es la princesa del Valle del Viento, en donde, irónicamente, ha dejado de soplar el viento. Su destino, según una antigua profecia, es traer el equilibrio en estas fuerzas. Pero los que se roban la película son una raza de insectos, que lucen como una combinación de escarabajos y orugas llamados los ohumus (o algo así), una suerte de animales sagrados.

Es en los ohummus donde Miyazaki luce su maestría como animador. En los planos cerrados, el movimiento de estos insectos luce tan convincente (inspirados, por cierto, en los movimientos de una oruga) que la película parece haber sido producida más recientemente y no en los 1980. De hecho, este fue uno de los primeros largometrajes de Miyazaki, justo en la época en que fundó los estudios Gibli. Sólo que para poder ser llevada al cine, se le exigió a Miyazaki concebir la historia primero en forma de cómic manga en 1982, ya que creían que sólo así la película podría tener éxito comercial.

La música de Joe Hisaishi (eterno colaborador de Miyazaki) le da un tono épico a toda la historia. Uno de los mejores momentos, luego de la batalla aérea, es aquella en la que Naushika se encuentra perdida en la jungla de insectos. Es como si Naushika estuviera atrapada en la “Isla Misteriosa” de Julio Verne, sólo que en lugar de animales mutantes, son insectos gigantes los que se roban la escena.

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS

(Publicada originalmente el 14 de octubre de 1962)

De nuevo tenemos a Linus y a Lucy enfrascados en una discusión. Cuando se trata de pensar en un nuevo hobby, quizás Linus no sea el más indicado. Y cuando ese nuevo hobby es el coleccionismo de hojas, creo que Linus necesita la asesoría de un especialista en la materia,... y no precisamente en libros.

MIDNIGHT IN THE GARDEN OF GOOD AND EVIL * * * 1/2

En Midnight in the Garden of Good and Evil, Clint Eastwood intenta amalgamar una trama de juzgado y misterio, sin mucha fuerza pero con sorprendentes actuaciones.

Viéndola a poco más de diez años de distancia de haber sido dirigida, creo que Midnight in the Garden of Good and Evil (1997), es una de las películas menores de Clint Eastwood. Una película menor, mas no fallida. Adaptación de la novela de John Berendt, el escenario del sur de los Estados Unidos, en específico el condado de Savannah, estado de Georgia, utiliza como trasfondo elementos muy comunes de este punto geográfico, como la brujería y el vudú. Aunque trastabillando un poco, Clint Eastwood sabe cómo combinarlos con una trama de juzgado y misterio, al más puro estilo de Agatha Christie.

La única diferencia, y quizás un punto débil en la trama, es que la historia no es tan misteriosa como uno quisiera. Sabemos casi desde el principio quién es el culpable del crimen cometido, ocurrido (como es común en un relato de Christie) en la mansión de un hombre acaudalado, durante una fiesta en la que se ha congregado la clase alta y política del condado. Parece que este crimen no es más que un pretexto para contar una historia poblada de personajes excéntricos, marginales e inadaptados, así como un discurso sobre los prejuicios provincianos contra la homosexualidad. Algunos ocultan esa condición y otros la exhiben sin pudor, como ese personaje del transexual negro (Lady Chablis). Desconozco si este personaje realmente existe en la novela, ya que por lo menos en la película, no tiene otro propósito más que agregarle un poco de humor a la historia.

Un hombre que ha domesticado unas moscas y las saca a pasear, así como otro que saca a pasear a un perro imaginario, igualmente lucen demasiado desaprovechados, como simples elementos que nada más sirven para hacer más colorido el relato. Todos menos el personaje de la bruja encarnado por Irma P.Hall, que tiene un par de magníficas líneas en sus escasas apariciones, como aquella en la que le dice al astuto periodista y escritor (interpretado por un magnífico John Cusak): “deja de rondar tanto a los muertos, te olvidarás de los vivos”.

Por eso, lo mejor de esta película, dirigida sin muchas pretensiones por Eastwood, además de la jazzística banda sonora y de que podemos comprobar lo bella que es su hija, Alison Eastwood, es el conjunto de estupendas actuaciones. Además de John Cusak, Kevin Spacey está impecable como siempre, en su personaje de refinado millonario y coleccionista, al igual que Jude Law, como su explosivo asistente.

++Sin extras a destacar, tan sólo un montón de notas de producción y biográficas.

Y...¿CÓMO LE PONEMOS?

¡Maldición! ¿Por qué tuve que caer en una película de los Wayans?

Comenzamos esta semana con Dance Flick, una película que, por lo que he escuchado, es un gran churro. Protagonizada y producida por el clan Wayans, quizás lo mayores hacedores de basura cinematográfica en la actualidad, la película se ha titulado en España “Dance Movie: Despatarre en la pista”. No me extraña nada: un pésimo título para una pésima película. Vaya favor que le han hecho. Estamos ante uno de esos casos en los que quizás, para demostrar “ingenio”, los distribuidores proponen un nuevo título en inglés (Dance Movie). Luego, como casi siempre en las comedias, se arruina más la situación ampliando con un título estúpido en español. ¿No era suficiente titularla “Una Película de Baile”? No, por supuesto que no. En México no se han quedado menos “despatarrados” con el título “Otra ridícula película de baile. Aunque, pensándolo bien, creo que ese título describe de alguna forma la película. Yo cambiaría el “ridícula” por “estúpida”. Si le interesa saber, en Alemania se ha titulado "Der allerletzte Tanzfilm", que quiere decir, “La última película de baile”, mientras que en Brasil se ha titulado “Ela Dança com Meu Ganso”, es decir, “Ella baila con mi ganso”. ¡Creo que está peor que el título español!

Vamos ahora con una película que podría competir en la terna a “Mejor Película Extranjera” en la próxima entrega de los Oscares. Se trata de “Home”, dirigida por Ursula Meier y protagonizada por Isabelle Huppert. Este es un caso curioso, ya que en España se ha dejado el “Home”, pero se ha agregado un título en español, "¿Dulce Hogar?". A pesar de que me parece que está de más dejar el título original, me gusta este título en español. Lo que hace todavía más curioso este título, es que se haya optado por ponerlo en forma interrogativa, contrario a otros países europeos. En Italia, por ejemplo, se ha titulado "Casa dolce casa", mientras que en Portugal se ha titulado “Lar doce lar”. En ambos casos, la traducción es “Hogar, dulce hogar”.

Terminamos con los buenos títulos de esta semana. Adam, dirigida por May Mayer, ha quedado simplemente como "Adam", en tanto, la cuarta película de otra desgastada franquicia (al puro estilo "Saw"), Final Destination 4, ha quedado como "El destino final 3D". El reestreno en cines de la semana es Tonari no Totoro, una de las mejores películas animadas del maestro Hayao Miyazaki, que en español se titula "Mi Vecino Totoro".

QUOTES

"¡Dios mío, ayúdame en el hipódromo!"

"Desde el principio sabíamos que queríamos a Kevin Spacey para hacer la voz de GERTY. Kevin tiene en su voz esa ligera cualidad amoral. Inmediatamente percibes esa especie de cadencia en su voz. Sí, como que crea esa conección con Hall 9000, de 2001: A Space Oddysey." Duncan Jones sobre Moon, su más reciente película.

"Soy ateo. Cuando mi mamá murió recientemente, me preguntó si Dios existía. Le dije que sí, una de esas "mentiras blancas" que te ayudan a encontrar paz en los últimos momentos." Ricky Gervais, con motivo del estreno de The Invention of Lying, su más reciente película.

"Cuando Michael (Jackson) vio 'An American Werewolf in London', me dijo que quería algo así para su vídeo musical (Thriller). Él tenía muchos deseos de transformarse en una especie de monstruo en el vídeo." John Landis, realizador tanto de An American Werewolf in London (1981) como del videoclip musical "Thriller"(1983).

"Sí, ahí estaba, y yo me encontraba muy impresionada, porque noté que era muy baja de estatura. Una mujer tétrica, sí, lo mismo que su esposo. Era una mujer que no voltearías a ver dos veces en la calle. Creo que Laurence Olivier habrá envejecido unos 10 años al trabajar con ella." La actriz británica Jean Kent, sobre su trabajo con Marilyn Monroe y Laurence Olivier en la película "The Prince and the Showgirl (1957)



"¡¡¡Grrrrrrrrrrrrrooooaaarrrr!!!,...¿mmm? Qué raro, no veo ningún cambio ahí."

PEANUTS, EL CINE Y LOS MEDIOS.

El día de Halloween ya está cerca. De hecho, en ciertas ciudades, como la Ciudad de México, ya es Halloween desde septiembre, gracias a la maravillosa mercadotecnia. Como sea, Linus ya se está preparando con anticipación, y así como muchos niños creen en Santa Claus, él cree...en la "Gran Calabaza". Haciendo un poco de historia, Linus tiene la creencia de que la noche de Halloween la "Gran Calabaza" llegará a su sembradío de calabazas, para dejarle un regalo. Todos, incluída Lucy, por supuesto, creen que está loco. Pero ahí tendremos a Linus, esperando pacientemente a que llegue la "Gran Calabaza". Y en esta tira, le hace saber a la "Gran Calabaza" su gran fidelidad escribiéndole una carta.

SABIAS QUE...

++El "Sabias qué..." de esta semana, está dedicado a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood.

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, se fundó el año de 1927. Al principio se llamó "Academía Internacional de Artes y Ciencias Cinematografícas", aunque el término "internacional" sería retirado posteriormente.

Su fundador fue Louis B. Mayer (originario de Minsk, Rusia), quien en 1924 fundara también la legendaria productora Metro Goldwyn Meyer, junto a otro magnate, Samuel Goldwyn.

Mayer abrió su primera sala de cine en 1907. Mayer se nacionalizó norteamericano, y se sentía tan norteamericano que cambió su fecha de nacimiento al 4 de julio.

El actor Douglas Fairbanks fue el primer presidente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood.

Walt Disney fue el mayor "coleccionista" de estatuillas doradas. Ganó 20 en total, buena parte durante los años 1920 y 1930, gracias a sus magníficos cortometrajes y a Snow White and the Seven Dwarfs (1937), primer largometraje animado.

Según reza en los estatutos, un artista será invitado a entrar en el organismo "cuando sus servicios a la industria del cine hayan sido lo bastante significativos como para que los miembros de la Academia expresen su deseo de tenerle como compañero".

En 1931 se establecieron dos categorias: miembro en activo y miembro asociado. La primera implica todos los derechos, incluído, por supuesto, el de participar en la votación de los Oscares.

En la mayoría de los casos, para ingresar a la Academia se exigen, al menos, dos trabajos acreditados en el cine, cierto número de años de experiencia profesional, y el padrinazgo de dos miembros. ¿Existe una manera más sencilla? Sí, ganar una nominación. Todos los nominados son invitados casi automáticamente a hacerse miembros. Una vez admitido, la pertenencia es vitalicia.

Cary Grant y Alfred Hitchcock tuvieron varias nominaciones a los premios Oscar, pero nunca ganaron un premio. Grant, al menos, recibió un Oscar honorífico como premio de "consolación", en 1969.

Otras "manias" de la Academia, han dejado sin Oscares a grandes leyendas del cine, como Marilyn Monroe, Edward G. Robinson, Ernst Lubitsch, Kirk Douglas, Richard Burton, Peter O'Toole, etc.

En 1956, la Academia añadió una nueva regla a su estatuto: cualquier persona sospechosa de simpatias comunistas sería inelegible para un Oscar. Sin embargo, en la ceremonia de ese año, el premio al mejor guión original fue para Robert Rich, pseudónimo de un guionista vetado, Dalton Trumbo, autor del guión de "The Brave One". Otro caso similiar fue en 1958, en el que se dió el Oscar a Mejor Guión Original a Nathan E. Douglas, pseoudónimo de Ned Young, por su guión escrito para "The Defiant Ones". En 1993, la Academia le concedió su crédito a Young, a petición de su viuda y de la rama de los guionistas de la Academia.

En 1978, cuando Vanessa Redgrave recibió un Oscar por su actuación en Julia, lanzó un discurso propalestino en el escenario, produciendo así uno de los momentos más tensos en la historia de la Academia.

Cuando Jane Fonda fue nominada a Mejor Actriz en 1970 por su trabajo en Klute, fue criticada por muchos por su activismo político. Sin embargo, al recibir el premio prefirió guardar silencio y no hablar de política.